Local Gestures
because the personal is cultural
Cazaux enfile un hoodie et bouge tout autrement. C’est une petite danse habituellement réservée pour la chambre à coucher, lorsqu’on est seul, à l’abri des regards, et qu’on se laisse emporter par nos émotions, sans aucun filtre. Il faut dire que la reprise de Smith & Burrows de « Wonderful Life » de Black colore sûrement la scène. C’est l’exutoire. Notre sexualité fait maintenant partie du domaine public tandis que nos émotions sont réservées pour le privé.
De peur. Duo, le seul du spectacle, pour Anne-Emmanuelle Deroo et Raphaël Cottin. L’équivalent au pas de deux à ce que le « par-dessus les pantalons » est au sexe. Ils sont torse nu, poitrine contre poitrine, mais leurs pieds ne pourraient être plus éloignés. La gestuelle est ici similaire à celle des jeunes chorégraphes québécois qui ont eux aussi touché aux relations amoureuses et sexuelles contemporaines, dont Virginie Brunelle, Dave St-Pierre, et Frédérick Gravel : dans les portées, où la femme saute, le corps rigide; lorsqu’elle se laisse tomber comme une planche et que l’homme l’attrape à la toute dernière seconde, avant que la tête ne frappe le sol; ou lorsqu’il la soulève alors que ses jambes sont écartées telles les parois d’un tunnel. On y retrouve la même relation push/pull et ce même si leurs corps sont presque constamment en contact. Particulièrement belle, cette image où, tronc contre tronc, genoux contre genoux, leurs jambes s’affaissent en étoile, donnant à leurs corps soudés l’apparence d’une araignée à quatre pattes. La vulnérabilité transparaît dans cette relation qui maintient une part d’antagonisme, alors que chaque geste révèle le besoin de l’autre tout en soulignant la peur que celui-ci pourrait nous briser. De doute. Solo pour Anne-Sophie Lancelin, en sourdine. On détecte une certaine violence, mais elle ne se trouve pas explicitement sur scène. C’est plutôt les traces qu’elle laisse dans le corps que l’on perçoit, celles de la vie qui nous use. Encore là, on ressent le paradoxe de la fragilité et de la force de l’humain. Sur la trame sonore, on peut entendre une femme clamer « I am yet to be broken. » La beauté persiste, celle de l’habilité du corps à exprimer sa réalité, au-delà des mots, sentie par l’interprète et ressentie par le spectateur. De solitude. Solo de Thomas Lebrun, encore plus calme. On peut comprendre cette progression anti-dramatique tout comme on peut la critiquer. Il passe la deuxième moitié du solo à vaciller sans jamais soulever ses pieds du plancher, immobilisé dans l’hésitation. Sans nous faire encaisser un coup fracassant, Trois décennies demeure le spectacle de danse qui joue le plus avec nos émotions depuis Milieu de nulle part de Jean-Sébastien Lourdais, aussi vu à l’Agora de la danse, en mars dernier. On remarque alors que la danse contemporaine en 2014 se fait surtout dans la tête… et on se souvient comment elle fait du bien lorsqu’elle frappe là où elle fait son meilleur travail. 23-26 septembre à 20h Agora de la danse www.agoradanse.com 514.525.1500 Billets : 30$ / Étudiant ou 30 ans et moins : 22$
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LOVE, by Loïc Touzé and Latifa Laâbissi, is a clearly delimited series of a dozen tableaux that can be narrowed down to a single action, each lasting about five minutes. In what becomes a ritual, the dancers enter the stage from the side and turn their head to the audience as they do so. They stand still with a neutral facial expression before performing their action and then returning to a still position before exiting.
Onstage, they fake boxing with their eyes closed, they walk on all fours like animals, the pretend to tap dance while barefoot… We are in a world of imaginary play, where the performers are devoid of emotional complexity, dehumanized, as clowns always are. In Dance and the Lived Body: A Descriptive Aesthetics, Sondra Horton Fraleigh writes, “The audience perceives [the dancer’s] dance through her movement as it conveys her intentions. In short, they see what she does and see the thought in it – not behind it or before it. If she moves softly, they see softness; if she moves sharply, that is what they see.” In light of this, it is interesting that LOVE is framed as a dance show since this conjunction is never present. Instead, everything the dancers do is fake. Even when they hit each other, it is never enough to actually hurt. When a woman pretends to run away from someone, she remains in the same spot. Given this constant artificiality, LOVE is more intellectual than emotional. One can only assume that the title is ironic. For the final scene, the picture of trees is lowered until it becomes the backdrop. It is only a signifier for the end since the conclusion is never earned. Each of the tableaux, essentially the same, could be interchanged without affecting the work in any way whatsoever. As such, it is reminiscent of Chris Haring’s Running Sushi, seen last year at Usine C. As I’m writing this, I come across another quote, this one by Oscar Wilde: “There are two ways of disliking art. One is to dislike it and the other is to like it rationally.” September 10 & 11 at 8pm Agora de la danse www.escalesimprobables.com 514.525.1500 Tickets: 28$ / Students or 30 years old and under: 20$ D’après une histoire vraie, by French choreographer Christian Rizzo, is two drummers and eight dancers, a total of ten men including five with long hair and half a dozen with beards. I’m saying this because it’s the casting of my wet dreams. I’m saying this because I should have loved it. I did like it though. The show certainly has a lot of qualities going for it, most of which come from the fact that it is inspired by folk dance. As a result, D’après… avoids a lot of contemporary dance clichés. First, let’s mention how rare it is for a choreographer to know how to make men dance together. Often, contemporary dance will go straight for antagonism – drama is always the easy answer – as though it is the only way men can interact. That’s right… Even in contemporary dance we have to put up with this macho bullshit. However, here we witness interactions that are refreshingly different. Men put their arms on each other’s shoulders, hold hands, support each other, lean on each other, and invite each other to dance. The feeling of fraternity, of inclusiveness that emerges as a result makes the show most endearing. Indeed, there is something soft about D’après…, like the middle grey floor where the dance takes place or the low-key lighting that gently reveals it. There is a balance between the moments when the dancers are physically linked and the ones when they dance on their own. Both appear to be grounding experiences. The performer finds his footing as he sways from foot to foot on the beat, holding his hands behind his back, before joining his comrades. Since folk dance is usually practiced by non-professionals, there is also a switch of importance between the limbs. Édouard Lock has said that the difference between a dancer and a non-dancer is in the legs. Here, it is obvious. The steps executed by the dancers are simple and it is in their arms that most of the movement occurs. There is no showing off. Gone is the ego of the performer. This is about the pleasure of being together. Also gone is the existential crisis from contemporary dance. Folk dance is life affirming. As one dancer walks around the grey floor, standing on the outside looking in, we can feel his admiration before these dancing bodies, his desire to join them. Where Rizzo has more trouble is in the tricky transition that a community dance must undergo to become a theatrical dance. The choreographer does what he can by introducing elements of contemporary dance, like the modern set design or the variations in numbers of performers and speed of the dance, yet there is something that prevents the dance from imposing itself in our eye or in our mind. Still, let’s mention that Rizzo does a better job of it than Hofesh Shechter had with Political Mother. In the end, the best thing about the show for me was the drummers. Then again I always feel that way. May 30 & 31 at 8pm Théâtre Jean-Duceppe www.fta.qc.ca 514.844.3822 / 514.842.2112 Tickets: 48-58$ / 30 years old and under: 43-48$ Germinal d’Antoine Defoort et Halory Goerger, c’est du théâtre qui ne prend rien pour acquis, incluant le théâtre. C’est donc une genèse de la scène qui débute dans le noir et qui, comme l’autre genèse, doit d’abord faire appel à la lumière pour révéler ce monde. Outre les parallèles avec le récit biblique de la création, Germinal joue avec l’histoire de l’humanité. C’est donc ainsi que le mot écrit, projeté sur le mur du fond, précède inexplicablement la parole. Les quatre interprètes en viennent à se servir des surtitres pour dresser une liste de leurs découvertes scéniques et des concepts qui en découlent. C’est la boîte de Pandore qui s’ouvre et les concepts s’enchaînent et se multiplient jusqu’à ce qu’on n’arrive plus à y voir clair. C’est alors que les interprètes ont cette autre idée très humaine, celle de créer des catégories pour démêler tout ça. Influencés par les éléments limités à leur disposition et la découverte d’un micro sous la scène, ils décident de diviser les éléments entre ceux qui font « pocpoc » au contact avec le micro et ceux qui ne font « pas pocpoc. » Émergent alors l’absurdité de l’aspect arbitraire de la catégorisation, l’ironie qui en ressort lorsqu’on découvre que l’idée du pocpoc ne fait pas pocpoc, et la métaphore alors qu’on se rend compte que quelque chose peut faire « pocpoc dans le cœur. » En répartissant leur énumération sur une ligne chronologique, ils en viennent au moment présent, au-delà duquel l’inconnu règne. Toutefois, ils entrevoient le mot « fin » avant de rapidement rebrousser chemin. Évidemment, il est question de la fin de la pièce, mais aussi celle de la vie. Les interprètes passent donc à travers les étapes du deuil avant que Beatriz Setien, en mode acceptation/reconstruction, déclare « Je propose qu’on fasse un truc bien. » C’est alors qu’ils créent une chanson à partir de la liste de mots qu’ils ont débité tout au long du spectacle. Encore une fois – je pense à Built to Last de Meg Stuart, vu le soir précédent, et Tragédie d’Olivier Dubois – l’art est présenté comme étant la réponse appropriée face à la mortalité, la seule rédemption possible. Alors que les mots s’accumulent, on peut penser au livre-poème Alphabet d’Inger Christensen, ode à l’abondance de la vie. En passant de rien à tout, Germinal peut aussi nous rappeler le film Nothing du Canadien Vincenzo Natali, si on le faisait jouer en sens inverse. Germinal baigne dans l’humour. Les blagues sont souvent évidentes et étirées au-delà de leur élasticité. C’est un spectacle qui se veut plaisant et séducteur; et, soir de première montréalaise, il a visiblement plu à un public séduit. Personnellement, ça m’a fait apprécier de plus belle Built to Last, moins racoleur, plus admirable. 29 & 30 mai à 20h / 31 mai & 1er juin à 16h Maison Théâtre www.fta.qc.ca 514.844.3822 / 514.842.2112 Billets : 43$ / 30 ans et moins ou 65 ans et plus : 38$ I didn’t watch Eurovision this weekend but I did go to Tangente to see Dance Roads, so let’s pretend that it’s the dance equivalent of Eurovision. In competition: Wales, the Netherlands, Canada, Italy, and France. Representing Wales, Jo Fong with Dialogue - A Double Act A video projection where the public sees itself in real-time, as in a mirror, which reminds me of the Belgian theatre company Ontroerend Goed’s Audience (and this even though I haven’t seen it). On stage, six chairs, two of which will find seaters, the female performers of Dialogue - A Double Act. They provide the suggestion of a performance, a sort of low-energy runthrough, like Michèle Febvre in Nicolas Cantin’s CHEESE. They often explain the performance instead of or just before actually doing it, like Andrew Turner had in Duet for One Plus Digressions. All this to say that it’s as charming as the performers are, but leaves us with a feeling of déjà-vu. Representing the Netherlands, Jasper van Luijk with Quite Discontinuous An athletic duo for two men with lots of floor work, which could make us think of breaking, but the moves are decidedly contemporary. The dancers are agile and the partner work is inventive. The relationship between the performers remains ambiguous. There seems to be a desire for connection, but both are on their own trajectory so that there is a difficulty in connecting. It might even be impossible. After one lies on the ground as though dead, the other shines spotlights on him, as an homage to the other and the desire for connection with him in spite of its unfeasibility. Representing Canada, Sarah Bronsard with Ce qui émerge après (4kg) A strange creature appears in obscurity at the back of the stage. We imagine there’s a dancer under there, though we can’t even figure out in what position they are. Soon we are able to make it out: it is her dress worn upside down, hanging off her body. She drops it on the floor, leaving her with a black pant-and-shirt combo. This is significant because Bronsard dances the flamenco but, like she leaves the typical dress behind, so she does with other elements of the dance. For example, she performs to ambient music and a dozen percussive contraptions with Mason jar lids for drums. As such, it’s hard to anticipate where the piece will go at any given moment, casting flamenco in a new light. Representing Italy, Andrea Gallo Rosso with I Meet You… If You Want Another duo for two men, which begins with them pushing each other’s back repeatedly, a rather lazy display of antagonism that unfortunately ends as soon as it gets more creative. In the second section, they evolve independently before falling into partner work for the third act. They end with the choreographic find of the piece as the two men, standing back to back, slide against each other to embrace on one side before sliding against each other’s back and embracing on the other side in a loop. Still, the piece lacks clarity. Representing France, Teilo Troncy with . je ne suis pas permanent . It begins quietly, with but a bit of a light on a sole woman. Soon, we hear music, but as though it is coming from a great distance. The dancer seems happy about it. The music comes in full force and she can finally do her jazzy dance with great energy. When the soundtrack disappears, she is left alone, humming as if trying to remember what she must do, psyching herself up. However, the grandeur of her movements danced to silence makes her look as though she’s having a meltdown. Things don’t seem to be going wrong technically as much as mentally. And the winner is… The Netherlands! Because it’s refreshing to see a contemporary dance piece that actually has dance in it. The Netherlands might seem like the obvious choice as it is the crowd-pleaser of the bunch. One might say that it’s not a particularly daring choice from the judges, but then again none of the pieces were especially daring either, so it might be fitting. www.danceroads.eu www.tangente.qc.ca Marche, marche dans cette parade infinie de corps vers la mort. Derrière le rideau, des corps obscurcis attendent de se matérialiser pour eux aussi marcher comme ceux qui sont venus avant eux, comme ceux qui viendront après eux, pour ajouter leur maillon dans la chaîne humaine qui progressivement, relativement, deviendra de plus en plus minime, rapetissera jusqu’à n’en devenir qu’un point indéchiffrable, avant qu’ils ne retournent d’où ils viennent, dans un autre monde, dans l’au-delà. Cette marche qui ne peut dévier de la ligne chronologique, cette marche dont l’accumulation incessante du temps efface la signifiance de toute action humaine. Cette marche au rythme du battement incessant du tambour, du temps qui n’arrête pour personne. Cette marche qui ne se résume que par elle-même. La Tragédie d’Olivier Dubois, c’est peut-être ce défilé de dix-huit corps nus, microcosme humain, vers l’inévitable mort. Ou c’est peut-être autre chose… Pour un instant, la marche se ralentie, comme si on la plaçait sous une loupe. Ce moment n’est pas plus signifiant que n’importe quel autre. Il est tout comme celui qui vient avant ou après. La poète Edith Sitwell a dit que la poésie est la déification de la réalité. N’importe quel moment pourrait être ralenti, être déifié, être poésie. Les acteurs de ce choeur épousent des poses statuesques. Par le fait même, ils dessinent leur vie, la colorent, l’écrivent. La tragédie est peut-être plutôt la mythologie que l’humain crée pour être moins animal, pour être plus divin : pour que sa vie excède sa propre durée. Le Christ est mort; longue vie au Christ! Des mouvements individuels commencent à émaner des corps, les propulsent hors de leur rang. L’espace doit maintenant être navigué pour éviter les collisions avec les autres. On ne peut parler de liberté. Les mouvements ne semblent pas consciemment choisis autant qu’ils semblent naturellement se manifester par ce qui fait de chacun un individu au-delà de son contrôle. On ne crée pas le destin; on le réalise. Au coeur de ces convulsions, des mouvements synchronisés apparaissent, la collectivité donnant par moments à l’individu quelque chose d’un peu plus grand que lui. La déification par le nombre, par l’amplification, par la volonté : le désir même de la déification. Une lumière stroboscopique fragmente l’action en images partielles. Nous ne percevons que des fragments du tout. Comme toujours, chaînon que nous sommes. 1-3 mai à 20h Théâtre Maisonneuve de la Place des Arts www.dansedanse.ca 514.842.2112 / 1.866.842.2112 Billets : 34$ + taxes Pour gagner, il faut tuer. C’est ce que l’une des voix désincarnées que l’on peut entendre dans LOIN… du chorégraphe français Rachid Ouramdane nous rappelle. À la guerre, il y a les tués et il y a les tueurs. La victoire n’est qu’une illusion. Dans ce solo, les voix coulent à un rythme effréné, se succèdent, nous plongent dans un univers où les guerres incessantes font éventuellement de nous tous des colons colonisés. À mesure que le temps avance, le passé se compresse sous son propre poids et, dans l’énumération des événements d’une vie, deux ans passés en prison passent aussi vite qu’une mort subite. La parole demeure toutefois vitale pour Ouramdane, ces témoignages enregistrés étant la seule chose qui puisse nous sauver de l’amnésie collective, quoi que certains intervenants semblent douter que la mémoire soit le moins pire des maux. Toutefois, le chorégraphe continue de dérouler le fil de son microphone au fil de l’histoire qu’il raconte, pour laisser une trace aussi visible que celles qui marquent l’âme des victimes directes ou collatérales de guerres et autres colonisations. La rapidité des monologues, surtout celui d’Ouramdane, évite à la sentimentalité d’infiltrer le ton de la voix, transformant cette multiplication de mots en un récit qui – à l’image de l’Histoire elle-même – nous affecte sans que l’on ne puisse toujours préciser de quelle manière, les effets concrets, mais les causes de plus en plus lointaines, notre vie que l’écho de voix que nous n’avons nous-mêmes jamais entendues. Tout sur scène est d’un noir plus moderne que gothique : l’écran vidéo, reluisante, en coin, à la verticale; les trois haut-parleurs style gramophone; les flaques statiques qui s’écoulent de ces éléments scéniques, autre trace laissée par les témoignages, visible mais dont le produit demeure mystérieux. Le tout est encadré par quatre tubes de néon. Le visage d’Ouramdane demeure surtout dissimulé sous le capuchon de son chandail, lui aussi noir, faisant écho aux visages que fragmente l’écran vidéo, étroit. Sa danse, (trop) simple, comme s’il ne voulait pas distraire du propos, rejoint la scénographie : au sol et en lenteur, à la même vitesse que les haut-parleurs qui pivotent; convulsive alors que les lumières clignotent incessamment; une marche rapide d’un côté à l’autre de la scène alors que les haut-parleurs tournent à haute vitesse... Un Américain d’origine vietnamienne dit que Bruce Lee était son héros car il semblait plus vrai que Spiderman ou Superman. « Whatever happened to heroes? » chante Ouramdane. Sur l’écran, des logos de compagnies telles que Mercedez-Benz et Fuji déferlent. Dans un système capitaliste, les compagnies deviennent les colons. L’héroïsme ne se mesure plus aux prises de position morale, mais au portefeuille. 24-26 avril à 20h MAI (Montréal, arts interculturels) www.m-a-i.qc.ca 514.982.3386 Billets : 25$ As my years as a dance critic pile on, it’s probably to be expected that I see more and more works I’ve already seen. This year, I can think of at least five off the top of my head. The one that most stood up to a repeat viewing was Matija Ferlin and Ame Henderson’s The Most Together We’ve Ever Been. I took the bus to Ottawa to see it just as a snowstorm was hitting the city. The ride ended up taking four hours. I barely had enough time to shove some of the worst food I’ve ever had in my mouth before running over to Arts Court, an old courthouse that has been turned into a beautiful art space. And, as soon as the show started, I knew it was all worth it. Back in Montreal, Israeli choreographer Sharon Eyal made a much-anticipated return after six years with Corps de Walk, a show she created with her partner Gai Behar. The uniformity she imposed on the twelve dancers of Norway’s Carte Blanche was oppressive and disturbing. It was its own indictment of homogeneity. At the Biennale de gigue contemporaine, the always reliable Nancy Gloutnez stood out yet again. With Les Mioles, she borrowed from classical music and became a conductor, turned her dancers’ feet into instruments, and composed a score reminiscent of Steve Reich in its obsessive build-up. After years of being one of the most rigorous emerging choreographers in Montreal, Sasha Kleinplatz has now fully emerged with Chorus II. The audience stood above six male dancers who swayed between demonstrations of physical strength and chill-inducing vulnerability. It is now up to venue artistic directors everywhere to shine on Kleinplatz the spotlight she so clearly deserves. Speaking of which, 2013 was the year of Agora de la danse. They probably had their best programming since I started following dance. It all began with Karine Denault’s Pleasure Dome, in which musicians and dancers explored pleasure without ever lazily resorting to shortcuts. Rather, she allowed the meaning of the work to emerge on its own and for Pleasure Dome to impose itself by the same token. It was followed by When We Were Old, a duo by Québec’s Emmanuel Jouthe and Italy’s Chiara Frigo (presented in collaboration with Tangente). The choreographer-dancers managed to bypass every single contemporary dance cliché that usually occurs as soon as a man and woman are onstage. In each and every moment, their encounter felt fresh and sincere. Agora ended the year with Prismes by Benoît Lachambre, who a month later would win the Montreal Dance Prize. Created for Montréal Danse, Prismes explored the effect of light on perception in a chromatic environment, as well as the fluidity of gender. Lighting designer Lucie Bazzo outdid herself for this highly experiential work. At the Festival TransAmériques, it was French choreographer Boris Charmatz who stood out with Levée des conflits, an opus of twenty-five movements repeated as a canon by twenty-four dancers. From the simplicity of the choreography to the high number of performers, Levée des conflits impressively hovered between minimalism and excess. I spent the summer in Iceland, where my trip ended with the Reykjavík Dance Festival. There, Norway’s Sissel M Bjørkli presented one of the most singular shows I’ve ever seen with Codename: Sailor V. It took place in a tiny space, barely big enough to seat fifteen. The smoke that filled the room along with Elisabeth Kjeldahl Nilsson and Evelina Dembacke’s intensely saturated coloured lighting blurred the edges of everything. Inspired by anime, Bjørkli created an alter ego for herself and through imaginative play managed to turn an office chair into a spaceship. That shit was magical. So was Nothing’s for Something by Belgium’s Heine Avdal and Yukiko Shinozaki, which opened with a ballet for six curtains, each suspended by six huge helium-filled balloons. Set to classical music, it was reminiscent of Disney’s Fantasia. For its finale, eight such balloons were left to float around the room while emitting breathing sounds, appearing like disembodied alien visitors. Soon after my return to Montreal, Marie Chouinard presented Henri Michaux : Mouvements. The genesis of this work, when Carol Prieur first incarnated the drawings of Henri Michaux back in 2005, is the reason why I’m a dance critic today. Seeing the twelve dancers of Chouinard’s company lend themselves to the exercise was just as riveting eight years later. By translating drawings into movement, Chouinard demonstrated the power of dance to think the body creatively. Usine C ended the year on a high note with their program from the Netherlands, most especially Ann Van den Broek’s feminist work for three female dancers, Co(te)lette. The show was powerful in its exposition of women’s bodies as a site of tension, torn between being objects of desire and embodied subjects. We can only hope that there will be more works like it in 2014. « Malgré les apparences, tout est relié, » la chorégraphe Maguy Marin semble vouloir dire avec ce fil à peine visible que les sept interprètes de Salves s’acharnent à dérouler en début de pièce. C’est un monde fragmenté qu’elle nous présente en une série de courts tableaux se balançant entre l’impressionnisme et l’expressionisme. En 2011, le jeune chorégraphe montréalais Patrick Lloyd Brennan avait présenté The New Bourjoiesie, une œuvre théâtrale qui se voulait un portrait satirique d’une génération éduquée mais incapable d’accomplir quoi que ce soit. Avec Salves (créé en 2010), Marin offre un univers similaire, sans toutefois cibler une génération en particulier. C’est plutôt le vingtième siècle au grand complet qui y passe. Une pièce aux murs noirs nous plonge dans un huis clos. À peine éclairé, cet espace semble hanté par ses propres souvenirs qui déferlent en une série d’images. La bande sonore accentue l’effet, utilisant des bandes magnétiques qui nous ancrent dans le passé avec la statique et les voix qui s’entremêlent. Dans la mémoire, la chronologie n’existe plus et tous les moments peuvent se côtoyer. Le fil invisible retourne en boule. On pourrait aussi penser à L’Ange exterminateur de Luis Buñuel, bien que Marin ne s’attaque pas aussi précisément à une classe sociale. Avec Buñuel, c’était la bourgeoisie qui écopait. Ici, c’est tous ceux qui tentent désespérément d’ignorer la misère du monde pour pouvoir s’enfermer dans leur confort. Marin fait appelle à plusieurs icônes, incluant celle-ci : See nothing. Hear nothing. Say nothing. Mais, comme tout est relié, on ne peut y échapper. La réalité nous rattrape sans cesse. Même dans la tentative de confort, la faille s’incruste. Tout semble compliqué sans bonne raison. On dépense de l’énergie dans un travail à la chaîne alors qu’une seule personne y serait sûrement plus efficace. Tout est fait à la course. Inévitablement, une assiette glisse des mains et éclatent en morceaux. Les tableaux ne veulent pas demeurer suspendus au mur, comme si un malin fantôme s’amusait à défaire tout ce que les habitants de cette demeure tentaient d’accomplir. Rien ne semble fonctionner. Tous les efforts sont frustrés. Le travail n’offre pas de résultats. On est dans l’insatisfaction. Le monde extérieur s’impose lorsque, dans cet univers cohésif, un homme en blackface émerge et doit bousculer les habitants pour se faire une place sur un long banc. C’est à ce moment que Salves prend son ampleur politique. Refuser de sacrifier son propre confort pour faire une place à l’autre. Plus tard, c’est un soldat qui débarque et qui vient chambouler la maisonnée. La guerre est toujours heureusement ailleurs jusqu’à temps qu’elle ne le soit plus. Dans une scène mémorable de The New Bourjoiesie, deux personnages tentaient de préparer leur appartement pour un party en chamboulant tous les objets qui se trouvaient sur une table. Dans Salves, on prépare maintes fois des tables pour des banquets qui n’arrivent jamais. Encore une fois, on pourrait penser à Buñuel et son film Le Charme discret de la bourgeoisie. À partir de ces fragments, la maison semble vouloir composer une mémoire collective, tout comme ses habitants qui veulent rapiécer les pots cassés, sans jamais vraiment y parvenir. Comme on s’y attend de la part de Marin, Salves est une œuvre exigeante, mais dont l’univers est si bien défini qu’il finit par s’imposer. 26-28 septembre à 20h Théâtre Maisonneuve www.dansedanse.net 514.842.2112 Billets à partir de 29.50$ Salves, Maguy Marin (Danse Danse) Septembre 26-28 Because last time Marin was in town, it was back in 2007 with Umwelt, which still holds as one of the best shows performed in Montreal this past decade. Prismes, Benoît Lachambre (L’Agora de la danse) October 16-19 Because Lachambre made quite the comeback last year with Snakeskins, his best show in years. Henri Michaux: Mouvements + Gymnopédies, Marie Chouinard (Danse Danse) October 31-November 2 Because Chouinard’s last show, LE NOMBRE D’OR (LIVE), is the one that has had the biggest impact on me since performer Carole Prieur first translated Henri Michaux’s drawings into dance back in 2005. We can only imagine what it will be like when all the dancers of the company will follow in her footsteps. Cuire Le Pain De Nos Corps, Sarah Dell’ava (Tangente) November 21-24 Because Dell’ava is probably the most intelligent mover in Montreal. LA VALEUR DES CHOSES, Jacques Poulin-Denis (Lachapelle) January 21-25 Because Poulin-Denis manages to expose the absurdity of human life while remaining funny and touching. The Nutcracker, Maria Kefirova (Tangente) January 30-February 2 Because Kefirova is one of the few choreographers in Montreal who knows how to deal with video in live performance. The adaptation project, Michael Trent (L’Agora de la danse) February 12-14 Because the last time Trent was in Montreal, he surprised everyone by being as conceptual as he was playful. Reviens Vers Moi Le Ventre En Premier, Annie Gagnon (Tangente) February 27-March 2 Because she’s one of the few choreographers in Montreal who’s not afraid to be serious. Mayday remix, Mélanie Demers (Usine C) March 12-14 Because, with just a few works, Demers has managed to establish herself as one of the most consistently good dancemakers in Montreal and it will be a treat to see her revisit her past works before moving on to the next artistic stage in her career. Mange-Moi, Andréane Leclerc (Tangente) March 20-23 Because Leclerc’s contortionism isn’t just a circus trick; it’s a philosophy that allows her to approach and explore space differently. http://dansedanse.ca/DDA_1314/en/ http://www.agoradanse.com/en http://tangente.qc.ca/ http://lachapelle.org/ http://www.usine-c.com/ |
Sylvain Verstricht
has an MA in Film Studies and works in contemporary dance. His fiction has appeared in Headlight Anthology, Cactus Heart, and Birkensnake. s.verstricht [at] gmail [dot] com Categories
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