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because the personal is cultural

NDT: a review

3/11/2016

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Sol León & Paul Lightfoot's Stop-Motion, photo by Rahi Rezvani
C’est un spectacle.
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I don’t know why anyone would expect anything else when going to Place des Arts to witness Nederlands Dans Theater passing through Montreal for the first time in over twenty years. For the occasion, we were treated to a Crystal Pite sandwich on Sol León & Paul Lightfoot bread.

Sehnsucht opens and ends with a man bowing in a frog-like position at the front of the stage. In the background, a straight couple engages in a pas de deux in a cubic room. Like the needles of a clock, their legs and arms stretch out and rotate around a two-dimensional axis. Their movement is fast-paced while that of the man in the foreground is fluid but sculptural in its slowness and poses, as though time passed more slowly for those alone. The room spins vertically, so that the dancers sometimes appear to defy gravity like Fred Astaire in Royal Wedding, sitting on a chair that hangs from a wall, for example. The choreographers use this magical element to charm the public without pushing it to the point where it would transcend its gimmick.
The room disappears and thirteen dancers come out for the middle section. They dance synchronously in a manner that is reminiscent of Ohad Naharin’s Hora: the athletic bodies of the dancer maintain the legs of ballet (pirouettes included); however, while the upper bodies in Hora could be said to fall under a post-modern aesthetic, here they are more akin to music video choreography. (The synchronicity might partially be to blame for this.) The fast pace of the choreography follows along the gaudiness of Beethoven’s Symphony Nr. 5, resulting in the kind of comic effect that the Looney Tunes capitalized on.

Canadian choreographer Pite offers the strongest piece of this triple bill with In the Event. Set against a grey sandy backdrop, eight dancers appear like a group on an expedition through the darkness of a foreign planet. The world around them feels potentially threatening, from their shadows moving along the walls of a cave to the rumbling on the soundtrack and the lightning that shatters the background. However, the dancers are in it together, cooperating as a group, sometimes literally forming a human chain with their limbs. The movement is elastic, round, and refreshingly ungendered. The dancers slide against the floor, sometimes even float above it. A solo provides the piece with a dramatic ending as a man’s hands frantically search the floor and reach for his chest and throat as if he were choking. For Pite, being alone looks like being lost.
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León & Lightfoot fare better with Stop-Motion, a piece for seven dancers that is gothic-looking with its black background, white and beige pants, white walls, floor and powder, and black and white video projection. The dance is better served by Max Richter’s moody modern classical music. In solos and duos, the agility of the dancers is used to evoke emotion rather than being an end in and of itself like in Sehnsucht. However, the choreographers once again go for synchronicity for the group section; rather than intensifying the effect, it comes across as lazy and dilutes it. As the piece ends, some curtains are lowered while others after are lifted, and the lighting grid also comes down. There is the feeling that León & Lightfoot are doing this just because they can. With this triple bill, they show that they have the dancers and the means to make great art, but they fail to prove that they have the will.

November 1-5 at 8pm
www.dansedanse.ca
514.842.2112 / 1.866.842.2112
Tickets: 41.50-70$
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Programme triple: a review

12/9/2016

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Diane Carrière in Et après... le silence, photo by Danielle Bouchard
Going to Festival Quartiers Danses’s Programme triple at Cinquième Salle on Saturday night was like traveling to the past without experiencing nostalgia. The evening opened with Diane Carrière’s reconstruction of ABREACTION (1974), titled Et après… le silence for this version. What first strikes us is how far music for dance has come over the past forty years. Here it almost sounds parodic in its likeness to the cheaply dramatic scores for low-budget straight-to-video productions. It is even more dated than the affected modern movement. Dancer Sébastien Provencher, always reliable, uses all of his length as he extends his arms as far as they will go. Nothing to do about it though: isolated screams are always funny, no matter what they’re supposed to communicate.
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Carrière joins Provencher for the second half of the piece. How satisfying it is to watch older people dance. It is unfortunate that Carrière was otherwise so precious with her material, refusing to shake off the music or the video footage that anchored Et après as a dusty historical document instead of truly resurrecting it to make it relevant for a contemporary audience.
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Jacinte Giroux in Mutable Tongues, photo by Dave Gaubiac
Followed Victoria choreographer Jo Leslie with her duet Mutable Tongues. We’d already had the chance to see Leslie’s work at Tangente in 2011 with Affair of the Heart, an understated solo for Jacinte Giroux, a Montreal dancer whose speech and movement have been transformed by a stroke. Here again we found Giroux, this time accompanied by Louise Moyles, a dancer and storyteller from Newfoundland. Moyles walks into the room alternately speaking English and French. This self-translation makes everything she says sound phony. Giroux is lying face down on the stage, just outside the spotlight. She tells Moyles she’s had a stroke, but Moyles doesn’t listen, tells her to “get up” then to “lie down.” She is verbally abusive in a way that ableist culture is always abusive, even when it doesn’t use words, when instead of saying “get up” it just puts a staircase. We think of how choreographer Maïgwenn Desbois had subverted this idea by letting her neurodiverse dancers briefly choreograph her in Six pieds sur terre.

With its burnt orange dresses, black tights, and heavy reliance on theatre, Mutable Tongues also feels a bit dated, not to mention that it is even more didactic than Carrière’s piece (which used voice-over to bring up such topics as hand-to-hand combat and PTSD). It reminded me of Chanti Wadge’s The Perfect Human (No. 2), which found its inspiration in dancers answering the question “Why do you move?” A young woman had walked to the front of the stage and screamed “I move because I hate talking!” I would turn it around and say that I go see dance because I love when people shut the fuck up. That’s certainly when Mutable Tongues is at its best.
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Beaux moments, photo by Howard Richard
The evening concluded with Howard Richard’s Beaux moments, a piece for four women that was the most contemporary thing we got to see, though even then it was more akin to the beginnings of contemporary dance. There were moments that recalled Ginette Laurin’s work: the legs that were lifted while turning out at a 45-degree angle before the heels of the shoes thumped back down against the floor; the sideways lifts where a woman would throw herself under her partner’s arms so that she could lend on their thighs. However, Richard’s movement was less verbose and neurotic than Laurin’s. In the duets, the women also looked as if they were in each other’s way rather than working together. But even the electronic music and the costumes (black sleeveless dressed with red short-heeled shoes) had something of O Vertigo about them. There was also a solo set to Cat Power’s “The Greatest” that failed to fit with the rest of the piece as it flirted with the contemporary in a So You Think You Can Dance way.
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The most positive aspect of the triple bill was the chance to see middle-aged women dance, including Estelle Clareton. But, if we were to base an opinion on this evening alone, we would be inclined to say that we’d rather watch older people dance rather than choreograph. Maybe La 2e Porte à Gauche had the right idea with Pluton.

www.quartiersdanses.com
September 6-17
514.842.2112 / 1.866.842.2112
Tickets: 25$ / Students or 30 years old and under: 20$
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The Seasons : une critique

30/4/2016

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The Seasons, photo d'Édouard Lock
Nous étions indéniablement à un spectacle présenté par Danse Danse hier puisque nous nous trouvions à la Place des Arts et que l’odeur de la sueur saturée d’alcool envahissait nos narines. Comme pour la plupart, c’était pour voir The Seasons d’Édouard Lock dansé par la São Paulo Companhia de Dança, puis potentiellement Mamihlapinatapai de Jomar Mesquita et Gnawa de Nacho Duato.

Pas de surprises du côté de Lock. On reconnait sa signature des dernières années, les jambes sportives du ballet mariées à la gesticulation des bras. Les mains paraissent tantôt délicates lorsque le poignet se fracture pour former un angle obtus au bout de bras s’étirant à quarante-cinq degrés, tantôt aériennes alors qu’une femme allonge ses bras et qu’un homme la fait pivoter sur une pointe. De façon similaire, les bras se transforment en ailes lorsqu’une danseuse est soulevée par deux hommes et que ses bras fouettent l’air jusqu’à en devenir des triangles translucides.

Les mains se font moins angulaires dans leur interaction avec le visage, le caressant au passage, mais parfois donnant plutôt l’impression de quelqu’un essayant de chasser une mouche. Difficile de ne pas percevoir une certaine vanité dans ces mains constamment attirées par sa propre tête, comme si les danseurs étaient toujours en train de se lécher les cheveux ou de se poudrer.

Les jambes arborent des airs militaires lorsqu’elles demeurent collées lors de sauts, conférant aux danseurs l’apparence de casse-noisettes. L’œil est attiré par l’extension du corps sur pointe, par la raideur qui fait glisser l’humain vers l’objet. L’athlétisme des danseuses n’est sûrement jamais plus évident que dans les sections où les hommes manipulent leurs jambes, une main posée sur leur cuisse, avec la même aisance que s’il s’agissait d’un bras. Superbe trouvaille que ces petits bondissement sur pointes avec les genoux légèrement fléchis qui donnent aux femmes des allures de gazelles.

La connexion entre les danseurs n’est jamais plus que physique. Chaque interaction n’est que calcul pour composer différentes configurations purement esthétiques. On peut observer les danseurs attendre le moment pour insérer leur mouvement dans celui de leur partenaire.

Les costumes noirs des danseurs les effacent partiellement dans la pénombre. L’éclairage tombe du plafond, ne rendant visible que les lignes des bras, des épaules et du visage. On peut aussi voir le torse nu des hommes et les pointes des femmes, blanches. Par moments, la disparition des jambes crée l’illusion de trois torses fantomatiques qui flottent vers nous. Les hommes semblent plus incarnés, entre autres parce que leurs torses sont visibles, mais aussi parce qu’ils sont plus autonomes dans leur mouvement.

Avec quelques cinq cents cues d’éclairage pour une pièce qui dure cinquante minutes, les nombreux changements de lumière donnent l’impression que les corps se déplacent dans l’espace sans avoir à se déplacer dans le temps. Avec leurs déplacements incessants – parfois même gratuits – les danseurs semblent souffrir d’un trouble du déficit de l’attention, courant vers les faisceaux des projecteurs seulement pour oublier ce qu’ils devaient faire une fois rendus. Malgré la qualité indéniable de l’œuvre, il m’est difficile de percevoir la valeur de la vitesse dans un monde déjà soûlé à la rapidité.

The Seasons était suivi de l’hétérosexuel Mamihlapinatapai (pour lequel les hommes portaient des chandails avec une seule manche, parfaits pour ces journées où on n’arrive pas à déterminer s’il fait chaud ou froid) et du rédempteur Gnawa.
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São Paulo Companhia de Dança
28-30 avril à 20h
www.dansedanse.ca
514.842.2112 / 1.866.842.2112
Billets à partir de 36.75$
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La danse est plus grande que nous : une entrevue avec Marie Chouinard

29/3/2016

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Cette semaine, le public montréalais aura la chance de (re)découvrir Prélude à l’après-midi d’un faune et Le Sacre du printemps, deux œuvres phares de Marie Chouinard qui ne cessent de tourner sur toutes les scènes du monde depuis plus de vingt ans. Pour l’occasion, j’ai eu la chance de m’entretenir avec la chorégraphe à propos de la longévité de son répertoire.
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SYLVAIN VERSTRICHT Récemment, j’ai fait beaucoup d’entrevues avec des chorégraphes plus émergents et ils me disaient souvent qu’une des choses qui les attriste, c’est de présenter un spectacle trois fois et de ne jamais avoir la chance de le reprendre; que s’ils en avaient les moyens, ils voudraient faire vivre leur spectacle plus longtemps.
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Marie Chouinard, photo de Sylvie-Ann Paré

​MARIE CHOUINARD Il le faut. C’est notre responsabilité de faire vivre nos spectacles plus longtemps. On est obligé. Si on veut vraiment vivre ce bonheur-là de danser nos spectacles plus longtemps, il faut les amener partout dans le monde. Juste jouer dans notre ville natale, ce n’est pas assez.

VERSTRICHT Étant donné que vous avez ce privilège, comment vous sentez-vous par rapport à la reprise de Prélude à l’après-midi d’un faune et de Le Sacre du printemps plus de vingt ans plus tard?

CHOUINARD On ne les reprend pas; on ne les a jamais lâchés! (rires) Notre Sacre du printemps, ça fait 23 ans qu’on le fait à chaque année. L’après-midi d’un faune aussi. Habituellement, les œuvres que je crée ont la chance de vivre très longtemps.

VERSTRICHT Pour vous, c’est une bonne chose, vous n’êtes pas tannée du tout…

CHOUINARD Bien non! C’est comme si on disait « La Joconde est-elle tannée de sourire dans son cadre? » (rires) C’est le contraire! Les danseurs aiment danser un grand répertoire de pièces. En ce moment, les danseurs dans ma compagnie sont en Europe et ils font sept chorégraphies différentes pendant la tournée. Ils sont contents. Ils aiment ça. Puis dans une autre tournée, ça va être encore d’autres pièces. C’est le fun. C’est hot de pouvoir danser plein de pièces différentes parce que c’est un répertoire qui a toutes sortes de facettes, d’approches : différentes pièces, différents rôles que les danseurs ont… C’est vraiment excitant pour eux.

VERSTRICHT Est-ce qu’il y a une concordance pour vous entre ces pièces qui perdurent et celles que vous voudriez qui perdurent? Est-ce qu’on réussit à prédire celles qui–

CHOUINARD Non. C’est bien mystérieux. On ne peut jamais savoir. C’est impossible. À chaque fois que je fais une nouvelle pièce, je me dis, « Peut-être que celle-là ne tournera pas, que personne n’en voudra. Peut-être que moi, je vais l’adorer, mais personne ne va l’aimer. »

VERSTRICHT Est-ce qu’il y en a une que vous aimeriez voir revivre?

CHOUINARD Oui. J’ai une pièce qui s’appelle LE NOMBRE D’OR…

VERSTRICHT J’adore LE NOMBRE D’OR.

CHOUINARD Moi aussi, mais elle est compliquée au niveau technique parce qu’il y a un corridor qui s’avance dans le public et je veux du public sur le stage, puis les gens qui l’achètent disent, « Mais là, on ne peut pas vendre nos billets dans la salle… » C’est devenu tellement compliqué pour les producteurs qu’ils ne l’ont presque pas achetée. Au niveau de la scénographie, j’ai fait un design qui n’est pas facile à tourner. C’est plate, hein? (rires)

VERSTRICHT Oui, parce que ça mérite vraiment d’être vu.

CHOUINARD J’adore cette pièce-là et les danseurs aiment la danser aussi. C’est drôle que vous me parliez de ça parce que je pensais à ça il y a une semaine ou deux, je me disais, « Qu’est-ce qu’on pourrait faire? Est-ce que j’enlèverais le corridor dans le public et le public de sur la scène? » Puis je me suis dit, « Bien non! Ça fait partie de sa beauté toute cette scénographie-là que j’ai faite. » Ça fait que c’est plate. Je ne sais pas ce qu’on va faire. J’espère qu’un jour elle va reprendre la route.

VERSTRICHT Étant donné que vos pièces jouent pendant aussi longtemps, est-ce que vous arrivez à dire de façon générale à partir de quel moment une œuvre devient fixe?

CHOUINARD C’est pas mal après 2-3 représentations. C’est sûr qu’après le soir de la première, je vais changer des petites choses. Le lendemain de la première ou de la deuxième, je peux couper trois minutes. Je peux faire des gros changements. Les danseurs le savent. Après ça, c’est des détails. C’est sûr que moi, je les trouve importants, mais je ne suis pas sûre que le monde les remarque tant que ça. Ce que j’ai la chance de faire aussi – je mets ça dans mon budget de création – c’est qu’avant de faire ma première mondiale, je m’organise pour faire le spectacle dans un théâtre avec un petit public de rien du tout. Je le fais comme en secret, donc ça me permet de le tester. Par exemple, la première fois que j’ai fait Gymnopédies, c’était en cachette à Miami. Je ne l’ai pas appelé Gymnopédies, je lui ai donné un titre barbare, mais je l’ai testé. (rires) J’ai profité du fait qu’on était là pour dire, « Là, on va faire une pièce un petit peu undercover… »

VERSTRICHT Les costumes sont tellement une partie essentielle de vos spectacles, ils colorent tellement la chorégraphie que j’ai l’impression qu’il faudrait qu’ils arrivent assez tôt dans le processus…

​CHOUINARD Non, ils arrivent à la fin complètement; sauf pour L’après-midi d’un faune parce que je savais dès le début, quand je l’ai créé pour moi, que j’aurais des cornes sur la tête.

VERSTRICHT Est-ce que vous vous patentiez quelque chose? Est-ce que vous jouiez avec une sorte de pré-corne?
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CHOUINARD Oui, je me mettais ça sur la tête, et c’est justement en jouant avec qu’un moment donné j’avais une corne dans mes mains et je me suis rendue compte, « Oh, my God… Si je la mets sur mon pubis, ça fait un phallus. » C’est arrivé de même! Ce n’était pas une idée préconçue.
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Prélude à l'après-midi d'un faune, photo de Sylvie-Ann Paré
VERSTRICHT Quand on est Marie Chouinard, est-ce qu’il y a encore certains fantasmes de danse qu’on n’a pas réalisés?

CHOUINARD Je n’ai jamais eu de fantasmes. Je ne travaille pas par fantasme. Je travaille par urgence de créer. J’ai des intuitions très fortes de création, puis je crée. Je crée en masse… Je suis en train de créer une pièce pour le ballet de Martha Graham à New York. Je suis aussi en train de peaufiner un duo que j’ai fait pour Les 7 doigts de la main. Je suis tout le temps en train de créer. C’est ça que j’aime faire.

VERSTRICHT Si vous êtes dans l’urgence, est-ce que ça veut dire que vous n’avez aucune peur de–

CHOUINARD Non, je n’ai pas peur. C’est la joie! (rires) J’ai la création solaire, comme on dit. Je ne suis pas du tout occidentale; je ne vais pas me couper une oreille pour créer. (Je pense à Van Gogh…) Je ne suis pas dans l’angoisse quand je crée. Je suis dans l’action, le bonheur de créer. Je ne dis pas que des fois je ne me retrouve pas peinturée dans un coin à me demander « Qu’est-ce que je fais? Où suis-je rendue? » Mais je sais que, quand tu es dans un coin, il faut que tu recules un peu, puis là tu commences à voir, « Ah… Il y a une porte par là… »

VERSTRICHT Quel est votre rapport à la critique?
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CHOUINARD Je ne les lis pas tellement.

VERSTRICHT Pour quelle raison?

CHOUINARD Je vais vous dire une réponse que vous allez trouver bizarre… J’ai rarement appris quelque chose.

VERSTRICHT Je ne trouve pas ça bizarre du tout. Je trouve ça très intéressant, en fait.

CHOUINARD Je préfère avoir une conversation avec un spectateur sur son expérience. Il faut quand même que je dise que des fois des critiques super élogieuses viennent à mes oreilles et ça me fait plaisir. C’est comme quand tes danseurs se font applaudir, quinze rappels… C’est sûr que ça fait plaisir. C’est comme recevoir de l’amour.

VERSTRICHT Est-ce votre moment préféré?

CHOUINARD Mon moment préféré, c’est de voir mes danseurs sur scène. Je me dis, « Ah… Ils sont tellement bons! » (rires) Je les trouve merveilleux.

VERSTRICHT De quoi la danse a-t-elle besoin aujourd’hui?

CHOUINARD La danse n’a besoin de rien. C’est nous qui avons besoin de nous grouiller le cul, de créer, de danser. La danse est au-dessus de tout ça. Elle est bien plus grande que nous.

Prélude à l’après-midi d’un faune + Le Sacre du printemps
31 mars-2 avril à 20h
www.dansedanse.ca
514.842.2112 / 1.866.842.2112
Billets à partir de 36.50$
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De l'ordre du sens et de la conscience : une entrevue avec Fabienne Cabado

21/3/2016

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En 2005, Fabienne Cabado écrivait sa première critique de danse et je voyais mon premier spectacle de danse contemporaine. Au cours des dix dernières années, nos chemins se sont croisés à maintes reprises. Nous avons récemment pris le thé ensemble pour partager nos souvenirs de danse. J’ai retenu des extraits de notre conversation pour brosser un portrait de Fabienne la spectatrice et critique de danse.


Premier spectacle
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Photo de Sylvain Verstricht
Je me souviens parfaitement du premier spectacle de danse contemporaine que j’ai vu à l’âge de 18 ans. Il m’a marquée à jamais et a ouvert en moi la conscience que ce qui est désagréable peut s’avérer fantastique et la certitude que ça vaut la peine de rester ouverte aux choses les plus étranges. C’était Zarathoustra de la Compagnie Ariadone de Carlotta Ikeda. Du butō. Je l’ai vu du poulailler de l’Opéra de Montpellier où je faisais mes études à ce moment-là. C’est du butō classique des premières années, avec des corps à moitié nus couverts d’argile blanche, complètement recroquevillés, les membres rétractés, les yeux révulsés… Les danseuses restaient prostrées au sol dans des mouvements minimalistes et je me disais : « C’est quoi, ce foutage de gueule? » Je fulminais. Mais bon, même quand je suis en colère, je ne sors pas de la salle parce que j’ai toujours l’espoir que quelque chose de bon va se passer. Et, effectivement, quelque chose s’est passé. À la fin du spectacle, du sable tombait en pluie fine sur la scène sous des éclairages dorés et subitement, j’ai été éblouie. Pas au sens « flabbergastée », mais profondément touchée. Par quoi? Je n’en savais rien, mais je suis sortie de là tellement sous le choc que j’étais sans voix, les larmes aux yeux. Je savais que quelque chose de merveilleux et de fondamental venait de se produire. C’était en 1981.

Les années 1980-90 en France

Avant ça, j’avais adoré Maurice Béjart. J’avais des posters de ses danseurs dans ma chambre. Je me souviens particulièrement de La Flûte enchantée… des belles lignes néoclassiques. Et là, un autre monde s’ouvrait soudain à moi. Cette année-là était la première du Festival Montpellier Danse et j’ai eu la chance d’avoir accès à tous les spectacles parce que mon chum y travaillait comme éclairagiste. J’ai assisté à des spectacles extraordinaires qui m’ont beaucoup marquée comme Carolyn Carlson, avec Blue Lady, ou le Nederlands Dans Theater. Je ne sais plus ce qu’il dansait, mais ça m’avait beaucoup plu aussi. À cette époque, j’allais aux répétitions publiques de la compagnie de Dominique Bagouet et je prenais des cours de danse avec de jeunes chorégraphes professionnels dont je filmais parfois le travail.

Dans les années 1990, je suis devenue journaliste et je me suis spécialisée en arts et culture. Je couvrais la danse de temps en temps et participais à des ateliers de médiation culturelle dès que j’en avais l’occasion. J’ai encore en mémoire un fabuleux stage avec Maryse Delente qui est aujourd’hui à la tête du Centre chorégraphique national de La Rochelle…

Premiers souvenirs au Québec

J’ai immigré au Québec un 26 avril. Le 29, c’était la Journée internationale de la danse et il y avait des cours gratuits un peu partout en ville. J’en ai pris le maximum et me suis rendue à un atelier avec Benoît Lachambre au fin fond d'Hochelaga-Maisonneuve. Le nom me disait quelque chose, mais je ne le connaissais pas. J’y vais, et là, il commence à nous faire danser avec les yeux. Je me dis : « Mais, c’est quoi ce truc? » Je trouvais ça complètement débile et j’ai profité de gens qui quittaient le studio pour filer moi aussi. Aujourd’hui, Benoît fait partie des artistes qui m’intéressent le plus et je donnerais cher pour participer à un de ses ateliers sur l’hyper éveil des sens. Je n’étais juste pas prête.

Premières critiques

La toute première critique que j’ai faite, c’était La Pornographie des âmes, en avril 2005. Je voyais déjà de la danse depuis longtemps, j’écrivais une chronique d’annonces arts et spectacles dans le journal L’Actualité médicale, mais n’avais jamais fait de critique. J’avais adoré La Pornographie des âmes qui m’avait émue aux larmes et ma critique était très positive. Ensuite, j’ai critiqué de manière plutôt sanglante un spectacle que j’avais trouvé détestable. Je n’y allais pas de main morte à l’époque. Je faisais des effets de style autant pour encenser un spectacle que pour le descendre. Comme beaucoup de jeunes critiques, je manquais de distance, de perspective, et je cherchais à me valoriser avec de belles formules. La critique, ça donne un pouvoir énorme et on peut facilement en abuser.

Ça faisait cinq ans que j’avais immigré, j’avais beaucoup écrit en psycho/spiritualité/sociologie dans un magazine alternatif, je voulais me faire une place en danse, mais personne ne me connaissait. J’avais d’ailleurs souvent du mal à obtenir une invitation au spectacle. Et comme j’écrivais dans DFDanse, qui s’adressait surtout aux spécialistes, je ne prenais pas de gants. Ceci dit, si ma façon de dire les choses était critiquable, ma vision était quand même assez juste. Je me souviens que Francine Bernier [la directrice générale et artistique de l’Agora de la danse] m’avait dit : « Oh la la, toi alors, tu es culottée, hein! Mais tu écris noir sur blanc ce que tout le monde pense tout bas. » Cela m’avait confortée dans mes choix, mais je me questionnais quand même sur mon droit de critiquer aussi sévèrement des œuvres et des artistes. Alors je me suis inscrite à une formation sur l’élaboration du discours en danse contemporaine qui était offerte par le Regroupement québécois de la danse. J’y ai acquis des outils qui m’ont aidée à m’améliorer.

Plus médiatrice que critique

Dans DFDanse, qui était surtout lu par des gens du milieu, je pouvais faire preuve d’une intransigeance qui s’est adoucie spontanément quand j’ai commencé à écrire dans Voir. Je me rendais compte que je m’adressais à un plus grand public et que je ne pouvais pas tenir le même type de discours si je voulais que les lecteurs aient envie d’aller voir de la danse. Parce que mon objectif de base, ça a toujours été de démocratiser la danse et de la promouvoir. Pas de promouvoir des spectacles, comme se l’imaginent beaucoup d’artistes quand ils traitent avec des journalistes, mais de promouvoir la danse. Au fond, je me considère plus comme une médiatrice que comme une critique. J’ai d’ailleurs plutôt pratiqué le journalisme dans une perspective de médiation pour initier le public à la danse contemporaine que dans une perspective d’analyse critique pour faire évoluer la discipline. Le média dans lequel j’écrivais se prêtait bien à ça.

Il faut dire aussi que l’appréciation d’une pièce dépend de tellement de facteurs : de la salle, de l’état dans lequel tu es, de ce que tu as vu la veille, du sujet qui résonne ou pas en toi, de toutes sortes d’affaires… Par exemple, La Pornographie des âmes qui m’avait tellement touchée à Tangente, je l’ai revue à l’Usine C et j’en ai vu tous les défauts. Et puis, je suis retournée la voir à la Cinquième Salle et j’ai retrouvé les émotions que j’avais ressenties à la première.

Les exigences d’une spécialiste

​On me demande souvent si je me lasse à force de voir tant de spectacles, si l’intensité de ce que je peux ressentir diminue au fil du temps. Pas du tout! Ce qui diminue, c’est l’intérêt pour certaines formes et ma patience face au travail inabouti. Parce que je trouve qu’au Québec, et c’est ainsi pour toutes sortes de raisons, beaucoup de spectacles sont le résultat d’une recherche mais pas encore vraiment des œuvres. Et forcément, il arrive un temps où je n’ai plus vraiment envie d’aller voir la recherche d’un artiste qui pense avoir réinventé la roue alors qu’il fait ce que des dizaines, voire des centaines, d’artistes ont fait avant lui. Ça arrive particulièrement chez les jeunes artistes qui manquent de culture chorégraphique. J’ai mis longtemps un point d’honneur à aller voir le plus possible toutes les productions, mais ça fait beaucoup de soirées passées au spectacle. Alors aujourd’hui, oui, il y a des artistes émergents que je ne connais pas encore, mais je les découvrirai quand ils seront un peu plus matures et je serai plus réceptive à leur travail. C’est mieux pour moi et pour eux aussi.

Je vais au spectacle pour élargir ma conscience, ma perception du monde et de moi-même. C’est pour ça que les œuvres plus mystérieuses ou a priori plus hermétiques m’intéressent : ce sont elles qui m’ouvrent le plus de nouvelles portes. En revanche, je trouve généralement plutôt vides les spectacles en forme de divertissement. J’admets qu’ils sont nécessaires et qu’ils ravissent un certain public, mais pour moi, ils sont stériles.

Trouver du sens au-delà de la raison

Le sens d’une œuvre de danse n’est pas forcément formulable, il ne passe pas nécessairement par un raisonnement. Je suis sûre qu’il y a des œuvres qui ont pris des années pour se frayer un sens à travers moi et j’ignore peut-être même quelle résonnance elles ont eue en moi parce que je n’ai pas forcément fait le lien entre quelque chose qui avait affleuré à ma conscience et un spectacle vu quelques années plus tôt. Mais je suis convaincue qu’il y a des œuvres qui agissent sur moi de façon durable, qui sédimentent quelque chose de l’ordre du sens et de la conscience au-delà de ma pensée.

À ce propos, j’ai réalisé des entrevues avec un psychanalyste et une psychologue dans le cadre d’un article sur l’enfant-spectateur que j’ai écrit en 2015 pour un gros dossier sur la danse jeune public que m’avait commandé le Regroupement québécois de la danse. Je me demandais quel bénéfice il pouvait y avoir pour un enfant à assister à un spectacle de danse. Il en ressort que l’on reçoit la danse en premier lieu avec le corps, que l’abstraction favorise l’ouverture et l’activité de l’imaginaire et que l’enfant est un terreau particulièrement fertile parce qu’il n’est pas encore formaté. Il crée du sens à partir de la danse, qu’elle soit abstraite ou narrative, et cela favorise sa construction identitaire. Pour les adultes, c’est pareil.
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La danse est une affaire de partage : l’énergie du public nourrit les danseurs sur scène et le regard du spectateur complète l’œuvre. Le quatrième mur est plus poreux qu’on ne le pense. En ce sens, le spectateur n’est pas un simple consommateur de culture. Il est responsable de son corps, de ses perceptions et de son degré d’ouverture à une œuvre. Ça peut paraître un peu ésotérique comme discours, mais pour moi c’est une évidence.
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Swan Lake: a review

15/1/2016

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Swan Lake, photo by John Hogg
In 1970, Joann Kealiinohomoku (who just passed away in December) caused somewhat of a stir when she published her seminal essay “An Anthropologist Looks at Ballet as a Form of Ethnic Dance.” Hopefully, that ballet is a form of ethnic dance is now more obvious than it is controversial.

​As such, we could say that with her version of Swan Lake, South African choreographer Dada Masilo is making two ethnic dances – ballet and African dance – meet. (There is no such thing as “African dance”, Kealiinohomoku would say, rightfully.) Furthermore, Masilo queers ballet by having Siegfried fall for a male black swan rather than Odette, whom he is set to marry by his parents. As such, her Swan Lake is explicitly about the compulsory heterosexuality that permeates both ballet (countless gay dancers constantly having to act straight, except for that bisexual orgy in Kader Belarbi’s La Bête et la Belle) and life in general.

After having a quick run-through of your typical ballet (like Dave St-Pierre running through the whole of La Pornographie des Âmes in the first tableau of the show), a dozen dancers plunge into their own version of Swan Lake; for they do not dance like they did in the summary. Thanks to African dance, the women are more vivacious, shaking their hips and stomping their feet; and, thanks to queering, the men are lighter. When they dance together, their movements are the same, ungendered. Similarly, all dancers sport white tutus. By toying with the conventions of classical dance, Swan Lake plays like a parody of ballet.

Despite these subversions, the show otherwise remains quite conventional. All of its politics are in its content and none are in its form. We are inevitably reminded of the poverty of dance as a medium for storytelling. What storytelling and ballet have in common is that they are mere rearrangements of the same elements. Since we already know this story, as we do all stories, we are free to wander off and come back to it without ever having missed anything.

As a light nerd, I was also disappointed with Suzette Le Sueur’s permanent blanket lighting provided by twelve equally distant spots at the front of the stage.

The ballet ends with a collective suicide (the result of the toxicity of homophobia, I assume), which I presume is meant to be emotional since it is set to Arvo Pärt’s “Spiegel im Spiegel.” There’s no reason to dance to Arvo Pärt. What more could there possibly be to add? What remains is the stellar performance of the dancers of the Dance Factory Johannesburg.

January 14-16 at 8pm
www.dansedanse.ca
514.842.2112 / 1.866.842.2112
Tickets: 34-63$
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De marfim e carne – as estátuas também sofrem: A Review

4/6/2015

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Cabo Verdean choreographer Marlene Monteiro Freitas is back at Festival TransAmériques for the second year in a row, this time with De marfim e carne – as estátuas também sofrem. Last year, I was a fan of Paraíso, with its singular world created through the strict adherence of the dancers to their character-driven mode of performance and its potential for a feminist reading. Maybe it’s auteur theory’s fault, but now I’m wondering if maybe I was wrong last year…
Picture
De marfim a carne, photo by Pierre Planchenault
Here, the performers still create characters, but the world never follows suit. Instead, as can be seen in their insistence on facing the audience, they are merely performing for us. With the loud buzzer that periodically interrupts their performance, they appear like contestants on a reality TV show pathetically vying for our attention.

The show relies on excess (seven performers are onstage for the entire eighty minutes) but, rather than helping in making a particular environment emerge, this merely leads to distraction. Our eyes travel from one to another, noticing that some are merely moving not to be still during the main action and that the three cymbal players look the way I do when I hang out at a bar just hoping someone will take me home so I can get the fuck out of there. These musicians become a too easily accessible exit.

At the FTA back in 2008, I’d accused Marie Chouinard’s obnoxious Orphée et Eurydice of suffering from Middle Child Syndrome. I could say the same of De marfim e carne, which is funny because Freitas cites the myth of Orpheus as an inspiration in the program. Perhaps the artistically gifted Orpheus is ironically performance kryptonite. Maybe those who killed him could hear his so-called divine music after all.

During the show, I also thought about Nicolas Cantin. Last week, I saw his Philippines at the OFFTA. Cantin is definitely not for everyone, but artistically I admire his work, which seems perpetually concerned with figuring out what’s the least that one can do on a stage. I sometimes find myself wishing some shows, De marfim e carne being a perfect example, were doing less.

With its constant “let me entertain you” attitude, it sometimes seems like the show is striving to be a critique of the vacuity of entertainment culture. 1) Yes. 2) And…? 3) Where’s the critique? Because, with its lack of bite, De marfim e carne doesn’t seem to critique so much as to be complacent about the vapidity of entertainment. If anything, it capitalizes on it. It is the artistic equivalent of overconsumption.

Yet, when the dancers come back for an encore, i.e. the worst concert ritual, it seems like they must know they’re acting like the worst. In the words of Kurt Vonnegut, “We are what we pretend to be, so we must be careful about what we pretend to be.”

June 3 & 4 at 8pm
Place des Arts – Cinquième Salle
www.fta.qc.ca
514.844.3822
Tickets: 39$ / 30 years old and under: 33$
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Phos: A Review

29/5/2015

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It’s magic, but it’s no trick. With Phos, his most conventionally theatrical piece since Corps noir (2008), choreographer Stéphane Gladyszewski keeps playing with technology and offers us the most standout work of the first half of Festival TransAmériques.
Picture
Phos, photo by Stéphane Gladyszewski
Yes, Gladyszewski does invoke magic by concealing bodies in darkness, like when Martin Bélanger’s arms appear out of nothingness from behind a strip of light and float in the air. The image recalls Brice Leroux’s Quantum-Quintet (FTA, 2007) and Cindy Van Acker’s Obtus (FTA, 2011). Half-seen, the movement becomes inexplicable. Lights in the sky are a familiar sight; it’s only when they move in unexpected ways that we suspect alien life. It’s for this reason that I’m less convinced by the voice work of the performers, decidedly too human.

For the most part, however, Gladyszewski uses technology to reveal what is always there but which usually goes unseen. Such is the case with cameras that reveal the heat patterns of the human body and of the liquids it comes in contact with. Suddenly, it’s like we’ve entered a psychedelic world where the human body is turned inside out, a world of tie-dye souls and auras as moving skins. The body becomes as malleable as playdough, liquefies before our very eyes. We are witness to the com/motion of the dis/embodied internal. Our bodies are haunted by spirits whose life force is muffled by their shells. It’s otherworldly, yet the internal landscape laid before us is so recognizable that I was tempted to scream, “This is the real world! The world where our bodies appear to be solid is obviously a lie!”

And I was completely sober. That’s why you should see Phos.

May 28-31
Place des Arts – Studio O Vertigo
www.fta.qc.ca
514.844.3822
Tickets: 29$ / 30 years old and under: 23$
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Archive: A Review

25/5/2015

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Your movement is captured on video. A dancer replicates your movement on a stage. Your incidental movement becomes causal movement. The everyday movement is made whereas the dance movement makes. (Of course, this is only a convenient lie; obviously, the everyday movement also makes and the dance movement is also made.)
Picture
Archive, photo by Gadi Dagon
Israeli choreographer Arkadi Zaides is that mirror in Archive, a demanding but necessary performance presented by Festival TransAmériques. Zaides took a series of video images from B’tselem, an Israeli center for human rights in the occupied territories, only selecting excerpts featuring Israeli men, no doubt to avoid speaking for or against the Other.

Zaides pauses the video, espouses the position of one of its protagonists, spins it 180 degrees, mirrors it, flips it by 90 degrees, leaning against the floor to give us the view of the top of his head, like the one the camera gives us by hovering above the protagonist. Archive is challenging because of its subject matter and its clinical approach, the live dance performance being overshadowed by the video images.

When it does work, it’s because of the confrontational attitude that necessarily emerges given the source material, as Zaides walks towards us with aggression in his eyes (the audience is visible throughout the show as the house lights, though dim, remain on) before switching to the movement of a man waving his arms around to try to scare sheep away. Before us, humans become animals that need to be displaced. Zaides often returns to this movement.

Archive is at its most powerful near the end, when Zaides replicates the vocalizations of the men in the videos into a microphone, looping them, building a soundtrack that is increasingly oppressive and violent. It’s hard to bear even for a few minutes. Imagine for hours, for weeks, for years…

May 24-26 at 7pm
Place des Arts – Cinquième Salle
www.fta.qc.ca
514.844.3822
Tickets: 39$ / 30 years old and under: 33$
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Pour la saison danse 2014/15, je mise sur...

26/8/2014

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LES VALEURS SÛRES

Chorus II de Sasha Kleinplatz du 21 au 25 octobre (Danse Danse)

Avec cette pièce pour six hommes où l’intensité physique côtoie la vulnérabilité, Kleinplatz s’est imposée comme une chorégraphe dont le travail ne peut être ignoré.
Picture
Chorus II, photo de Sandra Lynn Bélanger
Prismes de Benoît Lachambre du 2 au 6 décembre (Danse Danse)

Avec l’aide de l’éclairagiste Lucie Bazzo, Lachambre explore à fond les jeux de lumières et de couleurs avec ce spectacle des plus stimulants visuellement.

Dans sa tête & Six pieds sur terre de Maïgwenn Desbois du 20 au 21 décembre (Tangente)

Avec ses pièces ludiques où elle gigue avec des interprètes ayant le syndrome de Williams et d’Asperger, Desbois nous reflète avec humour notre société capacitiste.

Klumzy de Nicolas Cantin du 25 au 27 mars (Usine C)

Cantin s’enfonce de plus en plus dans l’antithéâtre avec ce spectacle marquant, une suggestion de biographie de l’interprète Ashlea Watkins où la mise-en-scène de Cantin prend tout autant de place.



CEUX DONT LA DERNIÈRE CRÉATION ME DONNENT RAISON D’ESPÉRER

Bath House & Cherepaka d’Andréane Leclerc du 21 au 24 octobre (Tangente)

Leclerc se sert du corps contorsionniste pour aborder des questions philosophiques et féministes dans des pièces sensorielles.

Tête-à-tête de Stéphane Gladyszewski du 8 au 16 novembre (Agora de la danse)

Gladyszewski utilise la technologie mieux que quiconque dans le monde de la danse. Pour Tête-à-tête, pièce pour un seul spectateur à la fois, ce dernier doit insérer son visage dans un masque pour voir la performance. Intrigant.

Confession publique de Mélanie Demers du 8 au 11 avril (Usine C)

Après avoir clos un cycle de pièces de groupe l’an dernier avec MAYDAY remix, Demers plonge dans le vide avec son nouveau spectacle, un solo. Peu de raisons de s’inquiéter; la chorégraphe, drôle et intelligente, ne rate jamais son atterrissage.

Wolf songs for Lambs de Frédéric Tavernini du 14 au 18 avril (La Chapelle)

Avec son installation chorégraphique Le Tératome, simple et efficace, Tavernini avait créé un univers cliniquement froid et fascinant. Il nous revient avec une autre installation, cette fois explorant l’imaginaire de l’enfance.

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    Sylvain Verstricht

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