As my years as a dance critic pile on, it’s probably to be expected that I see more and more works I’ve already seen. This year, I can think of at least five off the top of my head. The one that most stood up to a repeat viewing was Matija Ferlin and Ame Henderson’s The Most Together We’ve Ever Been. I took the bus to Ottawa to see it just as a snowstorm was hitting the city. The ride ended up taking four hours. I barely had enough time to shove some of the worst food I’ve ever had in my mouth before running over to Arts Court, an old courthouse that has been turned into a beautiful art space. And, as soon as the show started, I knew it was all worth it.

Back in Montreal, Israeli choreographer Sharon Eyal made a much-anticipated return after six years with Corps de Walk, a show she created with her partner Gai Behar. The uniformity she imposed on the twelve dancers of Norway’s Carte Blanche was oppressive and disturbing. It was its own indictment of homogeneity.

At the Biennale de gigue contemporaine, the always reliable Nancy Gloutnez stood out yet again. With Les Mioles, she borrowed from classical music and became a conductor, turned her dancers’ feet into instruments, and composed a score reminiscent of Steve Reich in its obsessive build-up.

After years of being one of the most rigorous emerging choreographers in Montreal, Sasha Kleinplatz has now fully emerged with Chorus II. The audience stood above six male dancers who swayed between demonstrations of physical strength and chill-inducing vulnerability. It is now up to venue artistic directors everywhere to shine on Kleinplatz the spotlight she so clearly deserves.

Speaking of which, 2013 was the year of Agora de la danse. They probably had their best programming since I started following dance. It all began with Karine Denault’s Pleasure Dome, in which musicians and dancers explored pleasure without ever lazily resorting to shortcuts. Rather, she allowed the meaning of the work to emerge on its own and for Pleasure Dome to impose itself by the same token.

It was followed by When We Were Old, a duo by Québec’s Emmanuel Jouthe and Italy’s Chiara Frigo (presented in collaboration with Tangente). The choreographer-dancers managed to bypass every single contemporary dance cliché that usually occurs as soon as a man and woman are onstage. In each and every moment, their encounter felt fresh and sincere.

Agora ended the year with Prismes by Benoît Lachambre, who a month later would win the Montreal Dance Prize. Created for Montréal Danse, Prismes explored the effect of light on perception in a chromatic environment, as well as the fluidity of gender. Lighting designer Lucie Bazzo outdid herself for this highly experiential work.

At the Festival TransAmériques, it was French choreographer Boris Charmatz who stood out with Levée des conflits, an opus of twenty-five movements repeated as a canon by twenty-four dancers. From the simplicity of the choreography to the high number of performers, Levée des conflits impressively hovered between minimalism and excess.

I spent the summer in Iceland, where my trip ended with the Reykjavík Dance Festival. There, Norway’s Sissel M Bjørkli presented one of the most singular shows I’ve ever seen with Codename: Sailor V. It took place in a tiny space, barely big enough to seat fifteen. The smoke that filled the room along with Elisabeth Kjeldahl Nilsson and Evelina Dembacke’s intensely saturated coloured lighting blurred the edges of everything. Inspired by anime, Bjørkli created an alter ego for herself and through imaginative play managed to turn an office chair into a spaceship. That shit was magical.

So was Nothing’s for Something by Belgium’s Heine Avdal and Yukiko Shinozaki, which opened with a ballet for six curtains, each suspended by six huge helium-filled balloons. Set to classical music, it was reminiscent of Disney’s Fantasia. For its finale, eight such balloons were left to float around the room while emitting breathing sounds, appearing like disembodied alien visitors.

Soon after my return to Montreal, Marie Chouinard presented Henri Michaux : Mouvements. The genesis of this work, when Carol Prieur first incarnated the drawings of Henri Michaux back in 2005, is the reason why I’m a dance critic today. Seeing the twelve dancers of Chouinard’s company lend themselves to the exercise was just as riveting eight years later. By translating drawings into movement, Chouinard demonstrated the power of dance to think the body creatively.

Usine C ended the year on a high note with their program from the Netherlands, most especially Ann Van den Broek’s feminist work for three female dancers, Co(te)lette. The show was powerful in its exposition of women’s bodies as a site of tension, torn between being objects of desire and embodied subjects. We can only hope that there will be more works like it in 2014.

Two Times Soft, de Maarten van der Put & Pauline Roelants

D’un néon à un autre, aux quatre coins du corps, la lumière froide révèle un plancher bleu. La danseuse Pauline Roelants y est étendue, comme endormie. Elle ouvre les yeux.

Entre ses jambes, une centaine de verres brisés. Son corps huilant se met en mouvement et les verres se déplacent autour d’elle, changent de formation en épousant sa forme serpentine. Elle trace son chemin dans ce labyrinthe de verre.

Son pied, tel animé par un spasme pendant le sommeil, frappe des verres. Verre contre verre, le bruit crée une tension; la fragilité du verre est une menace pour la fragilité du corps. Briser l’un et l’autre risque de briser aussi.

Les différentes formes de verres laissées par les bordures coupantes donnent à chacun d’entre eux une musicalité distincte. Fermez les yeux et vous pourriez croire entendre les notes d’un xylophone.

Co(te)lette, d’Ann Van den Broek

Bouge ton cul. Mets-toi à quatre pattes et bouge ton cul. En talons hauts, bouge ton cul. Dans ta petite robe blanche, bouge ton cul.

C’est ce que les trois interprètes de Co(te)lette nous mettent d’abord dans la face. Puis le cul s’affaisse, le bassin se contracte, et même s’il n’y a pas d’hommes sur la scène, on les sent partout.

Lorsqu’on parle de Co(te)lette, on parle de deux performances simultanément : de la performance théâtrale et de la performance du genre. Les danseuses prennent des poses de mannequins, mais le font de façon robotique pour dénoter que tout ça n’est qu’artificiel, même leurs sourires synchronisés.  L’une prétend caresser ses longs cheveux, même si ceux-ci sont dans un chignon.

Elles viennent à la rencontre du public, s’écartent les jambes et baisent le plancher. Elles font signe du doigt : viens ici. On parle de deux performances simultanées parce que ce ne sont pas que les interprètes qui sont vus; même hors du théâtre, nous sommes tous vus. Notre comportement est toujours régenté de l’extérieur.

On demande qu’elles affichent leur désir, qu’il soit réel ou non. C’est pour le bénéfice de ceux qui les regardent de toute façon. Et, comme on pourrait être vu à chaque instant, ce désir doit être ininterrompu.

« Moi! » Les relations humaines sont transformées en compétition. Il faut imiter les autres femmes. Il faut être plus sexuelle qu’elles. Alors, peut-être aurons-nous la chance d’être choisie.

Une femme est dévêtue, maltraitée et abandonnée devant le public, comme une offrande. Les trois présentent un de leur sein comme si elles étaient des hôtesses à The Price Is Right.

On pourrait être dans un spectacle de danse ou dans un club. C’est la même chose; on est là pour être vu. On se balance d’une patte à l’autre et une fois de temps en temps on se fait tournoyer pour signifier qu’on a vraiment du fun, qu’on est le fun. On rit pour que les autres pensent qu’on les trouve drôles. On se saoule et la tristesse est exposée à mesure que la façade s’écroule.

Elles se frappent le corps jusqu’à en être couvertes de rougeur. Notre réaction est viscérale. Leurs corps ne sont pas seulement vus; ils sont ressentis. Ils sont leurs corps. Il y a cette même tension dans ce geste du doigt qui pointe vers l’autre pour ensuite se retourner vers soi : vivre pour le regard de l’autre, mais dans l’impossibilité de s’anéantir.

Two Times Soft
19-21 novembre à 19h
Billets : 15-18$

Co(te)lette
19-21 novembre à 20h
Billets : 24-30$

Usine C
www.usine-c.com
514.521.4493