Local Gestures
because the personal is cultural
Margie Gillis might be alone onstage, yet I never see her as such. There is always something surrounding her, though I cannot see it. It’s there, like a cloud, like the shape of ghosts. It doesn’t live independently from her though. I know because the invisible cloud follows her around. She brings it into being. It’s one of the links between the five pieces the dancer and choreographer is presenting at Agora de la danse to celebrate the 40th anniversary of her career. Between them, they span two decades, the first created when she was but 27. It’s with this one, Waltzing Matilda (1978), that she opens the evening, set to Tom Waits’s “Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen).” Gillis seems to be inhabiting a dream world, yet an excess of emotion makes her body tip over into reality through gravity. In The Little Animal (1986), red lighting flattens her body into an image. Though she begins the piece on her feet, she soon ends up on her back as her contorted limbs move above her, awkwardly reaching out. I felt like I’d witnessed not dying, but birthing in reverse. There is a similar progression (or regression) in Broken English (1980), set to Marianne Faithfull’s song of the same name. However, the music here is more upbeat, and so is her dancing. Her upright body exhibits certitude and confidence, her arms drawing shapes into the air with precision. Nevertheless, she inevitably ends up on the ground, her movement convulsive. The words of James Joyce make up the soundtrack for Bloom (1989), more specifically the Molly Bloom soliloquy that ends Ulysses. Gillis’s dance becomes more literal and verbose as her hands act out the speech. Her acting abilities are nowhere more revealed than here. Though the most recent, Voyage (1997) is the most cloaked in the aesthetics of its time. The peculiarly fashioned lighting that falls on the background has a purple tint; cookie cutters shape the lighting that falls onto the floor into water ripples; and Gillis is wearing a trench coat and a beret. The dancer stands as on the edge of a precipice. The two suitcases dangling from her arms fly around her with a life of their own. Her balance is often threatened, as though she were standing on a boat rocked from side to side by waves. If there is another link in Gillis’s work, it is the powerlessness of human beings against the chaotic forces of the universe. In every piece, she appears like a speck of dust floating through space. By birth, we are all castaways, she seems to say. All we can do is control what is within us. February 26-28 at 8pm; March 1 at 4pm Agora de la danse www.agoradanse.com 514.525.1500 Tickets: 35$ / Students or 30 years old and under: 24$
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Un carré lumineux. Trois immenses sabliers suspendus au plafond d’où s’écoulent les grains jusqu’à nos pieds. Ils ne couleront pas indéfiniment. Après nous avoir surpris en 2010 avec It’s about time: 60 dances in 60 minutes, un spectacle aussi conceptuel que ludique, le chorégraphe torontois Michael Trent nous emmène dans une nouvelle direction avec loveloss. L’interprète Simon Portigal entre seul en scène avec ces trois collines de sable qui grossissent tranquillement autour de lui. Ce sont ses bras qui guident le reste de son corps, mais eux-mêmes ne semblent trop sûrs où aller. Ils y vont au feeling, mais avec de plus en plus de certitude. Ellen Furey se joint à Portigal. Elle porte un pendentif. C’est un détail mineur, mais obsédant. Pour des raisons évidentes, les danseurs n’ont pas l’habitude de porter des bijoux sur scène. Ce rien imprègne une histoire dans son corps. Que signifie-t-il pour elle? Robert Abubo approche le plancher à son tour. Le carré blanc qui recouvre celui-ci n’est que du papier qui plisse sous le poids des danseurs. La rupture semble inévitable et pourtant c’est réconfortant. Le papier est fragile. Il est supposé se fracturer. C’est dans l’ordre des choses. À l’arrivée d’Amanda Acorn, on remarque que chaque interprète épouse la gestuelle de leurs partenaires lors de leur entrée sur scène. Par ce procédé d’imitation, ils semblent essayer le mouvement, comme s’ils pouvaient ainsi possiblement comprendre celui de qui il origine. Peut-être que celui qui était là avant a trouvé la solution aux problèmes que rencontrent ceux qui suivent. Benjamin Kamino complète le groupe. Après avoir enterré Portigal sous le sable, tous les danseurs explorent l’espace les yeux fermés, ce qui rappelle une scène du documentaire Encounters at the End of the World de Werner Herzog : des hommes vivant en Arctique qui tentent de trouver l’un des leurs en portant des lunettes noires pour simuler l’aveuglement qu’ils devraient confronter lors de poudrerie. La nécessité d’apprivoiser la noirceur avant qu’elle se manifeste pour pouvoir mieux la naviguer. L’une des rares qualités que loveloss partage avec It’s about time est que Trent n'a toujours pas peur de prendre le temps qu'il faut. De plus, il évite ici l’humour, le théâtral et le mouvement séducteur (athlétique, rapide, synchronisé), toutes ces astuces que des chorégraphes moins confiants utilisent pour que leur danse soit plus accessible. L’interprétation est sentie sans être affectée. loveloss est une œuvre touchante, le premier vrai bon spectacle de danse présenté à Montréal cette année. 12-14 février à 20h Agora de la danse www.agoradanse.com 514.525.1500 Billets : 28$ / Étudiants ou 30 ans et moins : 20$ |
Sylvain Verstricht
has an MA in Film Studies and works in contemporary dance. His fiction has appeared in Headlight Anthology, Cactus Heart, and Birkensnake. s.verstricht [at] gmail [dot] com Categories
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